About the Author
Andrea V. Lanza Aliaga is a Bolivian junior at Harvard College concentrating in Archaeology and Social Anthropology. Her interest lands in Andean studies, textiles, memory, and museum studies. She is passionate about music, dance, and textile craft.
Acerca del Autor
Andrea V. Lanza Aliaga es una estudiante boliviana de tercer año en Harvard College que se concentra en Arqueología y Antropología Social. Su interés se centra en los estudios andinos, textiles, memoria y museología. Es una apasionada de la música, la danza y la artesanía textil.
Fibers of the Past
Museums and Textiles
Every place has a unique landscape. If we go to Bolivia, my home country, in the Altiplano we have mountains of all shapes and sizes, with rather arid vegetation accompanied by the whistle of the wind fighting with the sun’s rays to kiss your cheeks and dye them crimson. On the other hand, in the valleys, the green mountains warmly welcome you, sprinkled with colorful flowers and birds chirping their melody. Finally, to the east, the tropics captivate you with their lush forests of all shades of green, teeming with a chaotic fauna that sings a symphony to the tune of the heat. These landscapes are not only home to different groups of people, but they also influence and are part of the way they perceive the world. In return, we honor their influence through those colorful threads that adorn our bodies, which we call textiles.
CHOLAS: Bolivian indigenous women wear felt bowler hats, mantilla, and traditional dresses (at the Mercado Negro in La Paz). PHOTO: GETTY IMAGES
We often underestimate the vast information, meaning and importance of textiles. In their fibers, their production process is encoded, revealing the materials and techniques employed— key to understanding the cultural and identity diversity of cultures. Andean textiles, for instance, are considered essential to cultural identity, reflecting complex systems of values, beliefs and traditions. They are widely used by indigenous and mestizo peoples for purposes ranging from utilitarian to ritual, preserving ancestral production methods. For us, these textiles harbor memories that accompany us throughout our lives, representing a rich heritage of knowledge and meanings passed down through time. Although they are exhibited in museums, their heritage is not always recognized. The importance and significance of these objects in my life have motivated me to conduct an analytical study on the exhibition of textiles in three museums: the Museum of Fine Arts in Boston, the Harvard Peabody Museum, and the National Museum of Ethnography and Folklore in Bolivia. In this study, I evaluate the information provided by these museums about textiles and the historical narrative they construct.
But first, let me tell you a little more about museums, their history and the kind of influence they have on visitors.
Uncovering Museums
Current movements question the colonial past of museums, recognizing the acquisition of objects as ethically questionable. For a long time, museums focused on gathering and exhibiting special objects for a select audience, linking their display to Western conceptions of civilization. After World War II, curators began revising exhibition narratives to reflect contemporary concepts. “New museology” advocates for a pluralistic perspective, criticizing racial and evolutionary hierarchies in object exhibition. Community inclusion in storytelling is encouraged, along with efforts to broaden collection access and enhance visitor interaction.
However, it’s important to understand that museums are not just static places where objects are exhibited, but dynamic spaces where visitors actively engage with the artifacts. Museums have an emotional impact on visitors, influencing how they perceive culture and difference. That’s why it’s crucial for museums to properly present textiles, as they reflect the cultural identity and beliefs of a society. Ignoring their complex significance can distort public understanding. Therefore, museums have the responsibility to present textiles as objects with tangible and intangible heritage, contextualizing their cultural meaning.
Museo de Etnografía y Folklore
The first museum I visited was the National Museum of Ethnography and Folklore (MUSEF), in La Paz, Bolivia, my hometown. MUSEF is known for its preservation, exhibition and dissemination of Bolivian material and documentary heritage, promoting research. Its exhibition “Weaving Life” provides a comprehensive display of textile production and the changes it has undergone. It starts with the section “Tools that Shape Life,” which showcases the fibers used, their origin, manipulation and dyeing process. Then, in “Looms that Build Life,” textile production is presented, with examples of techniques, designs and pattern records, along with modern and archaeological tools. The third part, “Archaeological Textiles,” offers a glimpse of archaeological specimens from the collection. The exhibition concludes with “Dressing Memories,” displaying contemporary commissions of female and male garments on mannequins, showing their evolution since the Inca Empire.
MUSEF online exhibition “Telares que construyen vida” section.
The success of this exhibition lies in the comprehensive presentation of textiles and their production process, highlighting both tangible and intangible heritage, and allowing visitors to reflect on their own identity in the present. The exhibition acknowledges that textiles are complex objects that go through various stages before reaching their final production. Additionally, the exhibition is complemented by videos showing weavers in action, which is crucial given the oral tradition of knowledge transmission, preserving a fundamental part of the textile heritage. Finally, the way textiles are displayed facilitates the viewer’s understanding and interaction with them.
MUSEF online exhibition “Vistiendo Memorias” section.
The main issue I encountered was the exhibition’s orientation towards the local audience. Visitors are expected to have a basic understanding of Bolivian culture and textiles since very specific vocabulary is used without proper clarification. It would be advisable to provide specific explanations to ensure understanding, especially for foreign visitors who might feel disoriented due to the lack of cultural context.
MUSEF online exhibition “Herramientas que gestan vidas” section.
Harvard Peabody Museum of Archaeology and Ethnology
Now we move to the Harvard Peabody Museum, a museum with which I interact on a daily basis. The Peabody has a complex history but currently operates under ethical management principles. Its mission is to connect people with cultural heritage, amplify the voices of global indigenous and diasporic communities, and promote inclusion and collaboration. In its exhibition “Encounters in the Americas,” a variety of artifacts are displayed, creating a space that brings the Americas together on one stage.
I focused on the exhibition of Mayan textiles from Santo Tomás Chichicastenango, Guatemala, dating back to the 1930s, displayed in a showcase consisting of two parts. The first part showcases the Mayan clothing of a man, a woman and a child, displayed on stands showing their appearance in use. Behind them is a photo of a man and a woman wearing more contemporary clothing than those on display. The second part exhibits six head cloths and two photos, providing information about the role of women in textile production.
Peabody Museum, Maya textiles case part 1.
Although it seems to be a good introduction to Mayan textiles from the 1930s, this exhibition is quite outdated, implying the use of obsolete vocabulary. In the first section, these garments are labeled as “costumes,” which can be perceived as derogatory, associating them with entertainment. In my opinion, this is reflected in the photo in the same section where the woman and the man pose as if they were objects of analysis compared to the second section. On the other hand, there is a clear patriarchal connotation overall. Although it is recognized that women are the ones who weave, the way it is presented gives the impression that they do so almost exclusively for men. I think it would be more useful to explore in detail the symbolism and motivations behind the textiles and delve into the technique used and its generational transmission, highlighting the antiquity of both the technique and the use of textiles. It is crucial to specify the changes in textiles with the arrival of the Spanish, an aspect mentioned very briefly but relevant. Thus, the exhibition could generate a perception of “otherness” instead of fostering reflection and appreciation of heritage.
Peabody Museum, Maya textiles case part 2.
Museum of Fine Arts, Boston
Finally, I decided to visit the Museum of Fine Arts, Boston, as it is a renowned cultural institution with a vast collection spanning various periods and cultures, from Egyptian antiquities to contemporary art. Its galleries house a variety of art, including paintings, sculptures, decorative arts, textiles and more. I chose to focus on a Chimu tunic or poncho from the “Ancient Americas” gallery, part of the Art of the Americas exhibition, which showcases different types of objects from archaeological cultures in both Mesoamerica and South America.
The description and information about the object help the viewer examine it in more detail. For example, it points out that the two panels are different despite being from the same object and having the same pattern. Similarly, it encourages interaction with other objects in the exhibition by sharing similar motifs. However, it mainly celebrates its tangible heritage as an archaeological object, overlooking all the cultural context behind it.
MFA Poncho or Tunic and North Peruvian vessels case.
The labels mentioned that the object is a tunic or poncho but it is not shown how it looks when worn, which makes it difficult for the viewer to understand its use. On the other hand, although it is mentioned that the panels are different, I think it could have been suggested that they could have been made by two weavers, possibly a master and an apprentice, which was common as a teaching method, resulting in the differences we see in this poncho. The technique used for its production could also have been mentioned and whether this technique is still used today. Along the same lines, I believe it is essential to mention that today the poncho is still used although its design has changed, thus acknowledging that its heritage is alive.
MFA Poncho or Tunic.
Furthermore, I was struck by the lack of cohesion among the objects in the exhibition. It seems that the only reason why this textile is in the same showcase as the vessels is because they are all from Peru. This lack of connection is perceived throughout the exhibition, which seems to be focused exclusively on displaying archaeological objects from Peru. Although the title of the general panel mentions “Central and South America,” only a brief explanation is given to Peru and objects from this country are exclusively exhibited. This limitation can lead visitors to have a mistaken impression of what they are observing.
Therefore, I believe that by attempting to focus visitors on the object as if it were European art, it is objectifying it since its complete cultural context is absent. It is not necessary to have an exclusive exhibition on the poncho to achieve the opposite. Rather, it is crucial to have key information that conveys the entirety of its heritage.
Celebrating Heritage
Museums, as complex repositories of memory, wield great power in the creation of heritage, ultimately influencing viewers’ perception of the cultures presented. In this way, by celebrating heritage, particularly in the case of textiles, museums also serve as custodians of existing cultural identity through these objects. Therefore, I consider it important for museums to ensure a comprehensive presentation that not only visually represents tangible heritage but also contextualizes intangible aspects, fostering deeper understanding among the public. The problem with presenting textiles as mere artifacts without providing any context is that it objectifies both the textile and the practice, which in turn can lead to the objectification of the culture of origin. When objectified, it loses all its socio-cultural value in the eyes of the viewer. As mentioned, the effect that museums have on visitors is active, where they are influenced in one way or another. Objectification would cause a disruption in this interaction, resulting in the infiltration of misconceptions among visitors. While each museum will handle its exhibitions differently because objectives vary, there are ways to offer an adequate representation of intangible heritage, such as adding additional information, a photograph or even a piece of fabric that helps bring the heritage and its practice to life.
Las Fibras del Pasado
Los Textiles y los Museos
Por Andrea V. Lanza Aliaga
Cada lugar tiene un paisaje único. Si vamos a Bolivia, mi país natal, en el Altiplano tenemos montañas de todas las formas y tamaños, con una vegetación más bien árida acompañada por el silbido del viento que lucha con los rayos del sol por besar tus mejillas y teñirlas de carmín. Por otro lado, en los valles, las montañas verdes montañas te dan una calurosa bienvenida salpicadas de flores coloridas y pajaritos salivando su melodía. Por último, al este, los trópicos te atrapan con sus frondosos bosques de todos los verdes repletos de una caótica fauna que canta una sinfonía al son del calor. Estos paisajes no solo son hogar de diferentes grupos de personas, sino que también influencian y forman parte de la manera en la que perciben el mundo. Nosotros a cambio, honramos su influencia a través de esos hilos coloridos que adornan nuestros cuerpos a los que llamamos textiles.
CHOLAS: Las mujeres indígenas bolivianas visten bombines de fieltro, mantilla y vestidos tradicionales (en el Mercado Negro de La Paz). FOTO: IMÁGENES GETTY
Frecuentemente subestimamos la vasta información, significado e importancia de los textiles. En sus fibras se codifica su proceso de producción, revelando los materiales y técnicas empleados, y son clave para entender la diversidad cultural e identitaria de las culturas. Los textiles andinos, por instancia, son considerados esenciales para la identidad cultural, reflejando sistemas complejos de valores, creencias y tradiciones. Son ampliamente por los pueblos indígenas y mestizos con propósitos desde utilitarios hasta rituales, conservan métodos de producción ancestrales. Para nosotros, estos textiles albergan memorias que nos acompañan a lo largo de nuestras vidas, representando un rico patrimonio de conocimientos y significados transmitidos a través del tiempo. Aunque se exhiben en museos, su herencia no siempre es reconocida. La importancia y significado de estos objetos en mi vida me han motivado a llevar a cabo un estudio analítico sobre la exhibición de textiles en tres museos: el Museum of Fine Arts en Boston, el Harvard Peabody Museum y el Museo Nacional de Etnografía y Folklore en Bolivia. En este estudio, evalúo la información proporcionada por estos museos sobre los textiles y la narrativa histórica que construyen.
Pero primero, hay que entender un poco más sobre los museos, su historia, y que tipo de influencia tienen en los visitantes.
Museos al descubierto
Los movimientos actuales cuestionan el pasado colonial de los museos, reconociendo la adquisición de objetos como éticamente cuestionable. Durante mucho tiempo, los museos se centraron en reunir y exhibir objetos únicos para una audiencia selecta, ligando su exhibición a concepciones occidentales de civilización. Después de la Segunda Guerra Mundial, los curadores comenzaron a revisar las narrativas expositivas para reflejar conceptos contemporáneos. La “nueva museología” aboga por una perspectiva pluralista, criticando las jerarquías raciales y evolutivas en la exhibición de objetos. Se fomenta la inclusión de las comunidades en la narración de su historia, mientras se busca ampliar el acceso a las colecciones y mejorar la interacción con los visitantes.
Pero hay que entender que los museos no son solo lugares estáticos donde se exhiben objetos, sino son espacios dinámicos donde los visitantes interactúan activamente con los objetos. Los museos tienen un impacto emocional en los visitantes, influyendo en la forma en que perciben la cultura y la diferencia. Es por esto yo creo que es crucial que los museos presenten adecuadamente los textiles, ya que estos reflejan la identidad cultural y las creencias de una sociedad. Ignorar su significado complejo puede distorsionar la comprensión del público. Por lo tanto, los museos tienen la responsabilidad de presentar los textiles como objetos con patrimonio tangibles e intangible, contextualizando su significado cultural.
Museo Nacional de Etnografía y Folklore
El primer museo que visité fue el Museo Nacional de Etnografía y Folklore (MUSEF), encontrado en La Paz Bolivia, mi ciudad natal. MUSEF se caracteriza por su conservación, exhibición y diseminación del material y patrimonio documentario Boliviano, promoviendo la investigación. Su exhibición “Tejiendo la Vida” provee una completa exhibición de la producción textil y los cambios por los cuales ha pasado. Inicia con la sección “Herramientas que gestan la vida”, que muestra las fibras utilizadas, su origen, manipulación y proceso de teñido. Luego, en “Telares que construyen vida”, se presenta la producción textil, con ejemplos de técnicas, diseños y el registro de patrones, junto con herramientas modernas y arqueológicas. La tercera parte, “Textiles Arqueológicos”, ofrece una visión de ejemplares arqueológicos de la colección. La exhibición concluye con “Vistiendo memorias”, que muestra en maniquíes comisiones contemporáneas de prendas femeninas y masculinas, mostrando su evolución desde el Imperio Inca.
Exposición online del MUSEF Sección “Telares que construyen vida”.
El éxito de esta exhibición radica en la presentación completa de los textiles y su proceso de producción, destacando tanto el patrimonio tangible como intangible, y permitiendo a los visitantes reflexionar sobre su propia identidad en el presente. La exhibición entiende que los textiles son objetos complejos que atraviesan diversas etapas hasta llegar a su producción final. Además, la exhibición se complementa con videos que muestran a tejedoras tejiendo, lo cual es crucial dada la tradición oral de la transmisión de conocimientos, conservando parte fundamental del patrimonio textil. Finalmente, la forma en que se exhiben los textiles facilita la comprensión e interacción del espectador con ellos.
Exposición online del MUSEF sección “Vistiendo Memorias”.
El principal problema que encontré fue la orientación de la exposición hacia el público local. Se espera que los visitantes tengan comprensión básica de la cultura y los tejidos bolivianos ya que se utiliza vocabulario muy específico sin una debida aclaración. Sería recomendable proporcionar aclaraciones específicas para garantizar una comprensión especialmente para los visitantes extranjeros que podrían sentirse desorientados por la falta de contexto cultural.
MUSEF online exhibition “Herramientas que gestan vidas” section.
Harvard Peabody Museum of Archaeology and Ethnology
Ahora nos trasladamos al Museo Peabody de Harvard, museo con el que interactúa a diario. El Peabody tiene una historia compleja pero actualmente se rige por principios éticos de gestión. Su misión es conectar a las personas con el patrimonio cultural, amplificar las voces de las comunidades indígenas y diaspóricas globales, y promover la inclusión y colaboración. En su exhibición “Encounters in the Americas” se ve una variedad de artefactos que crea un espacio único que une las Américas en un solo escenario.
Me centré en la exhibición de textiles mayas de Santo Tomás Chichicastenango, Guatemala, que datan de la década de 1930, expuestos en una vitrina que consta de dos partes. La primera parte muestra la vestimenta maya de un hombre, una mujer y un niño, expuestos en soportes mostrando su aspecto en uso. Detrás hay una foto de un hombre y una mujer con vestimentas más contemporáneas que los expuestos. La segunda parte exhibe seís paños para la cabeza y dos fotos, proporcionando información sobre el papel de las mujeres en la producción textil.
Museo Peabody, caso de textiles mayas parte 1.
Aunque parece ser una buena introducción a los textiles mayas de la década de 1930, esta exhibición es bastante antigua, lo que implica el uso de vocabulario obsoleto. En la primera sección, estas prendas se determinan como “disfraces”, lo que puede percibirse como menospreciativo, asociándolos con el entretenimiento. En mi opinión, esto se refleja en la foto de la misma sección donde la mujer y el hombre posan como si fueran objetos de análisis comparado con la segunda sección. Por otro lado, se percibe una clara connotación patriarcal en general. Aunque se reconoce que son las mujeres quienes realizan el tejido, la manera en que se presenta da la impresión de que lo hacen en función casi exclusiva de los hombres. Sería más útil explorar en detalle el simbolismo y las motivaciones detrás de los textiles y profundizar la técnica empleada y su transmisión generacional, resaltando la antigüedad tanto de la técnica como del uso de los textiles. Es crucial especificar los cambios en los textiles con la llegada de los españoles, aspecto mencionado de forma muy breve pero relevante. Entonces, la exhibición podrían generar una percepción de “otros” en lugar de fomentar la reflexión y aprecio del patrimonio.
Museo Peabody, caso de textiles mayas parte 2.
Museum of Fine Arts, Boston
Finalmente decidí visitar el Museum of Fine Arts, Boston, ya que es una institución cultural de renombre con una vasta colección que abarca diversos períodos y culturas, desde antigüedades egipcias hasta arte contemporáneo. Sus galerías albergan una variedad de arte, que incluye pinturas, esculturas, artes decorativas, textiles y más. Decidí centrarme en una túnica o Poncho Chimu de la galería de “Ancient Americas”, parte de la exposición Arte de las Américas, exhibición la cual muestra diferentes tipos de objetos de culturas arqueológicas tanto de Mesoamérica como de Sudamérica.
La descripción e información sobre el objeto ayudando al espectador a examinar el objeto con más detalle. Por ejemplo, señala que los dos paneles son diferentes a pesar de ser del mismo objeto y tener el mismo patrón. De manera similar, fomenta la interacción con otros objetos en la exposición al compartir motivos similares. Sin embargo, principalmente celebra su patrimonio tangible como un objeto arqueológico, pasando por alto todo el contexto cultural detrás.
Estuche MFA Poncho o Túnica y vasijas norperuanas.
En primer lugar, se menciona que es una túnica o poncho pero no se muestra como se ve en uso, lo que dificulta la comprensión del espectador en su uso. Por otro lado, aunque se menciona que los paneles son diferentes, podría haberse sugerido que podrían haber sido hechos por dos tejedores, posiblemente un maestro y un aprendiz, lo cual era común como método de enseñanza, resultando en las diferencias que vemos en este poncho. También se podría haberse mencionado la técnica utilizada para su producción y si esta técnica es utilizada hoy en día. En la misma línea, creo que es esencial mencionar hoy en día el poncho se sigue utilizando aunque su diseño ha cambiado, reconociendo así que su herencia está viva.
Por otra parte, me llamó la atención la falta de cohesión entre los objetos en la exposición. Parece que la única razón por la que este textil está en la misma vitrina que las vasijas es porque todos son de Perú. Esta falta de conexión se percibe en toda la muestra, que parece estar enfocada exclusivamente en exhibir objetos arqueológicos de Perú. Aunque el título del panel general menciona “Centro y Sudamérica”, se dedica solo una breve explicación a Perú y únicamente se exhiben objetos de este país. Esta limitación puede llevar a los visitantes a tener una impresión equivocada de lo que están observando.
MFA Poncho or Tunic.
Por lo tanto, creo que al intentar enfocar a los visitantes en el objeto como si fueran arte Europeo, se está objetivando ya que su contexto cultural completo está ausente. No es necesario tener una exposición exclusiva sobre el Poncho para lograr lo contrario. Más bien, es crucial contar con información clave que transmita la totalidad de su herencia.
Celebrando Patrimonio
Los museos, al ser complejos de memoria, poseen un gran poder en la creación de patrimonio, llegando a influir en la percepción de los espectadores sobre las culturas presentadas. De esta manera, al celebrar el patrimonio, en el caso de los textiles, también son delegados de la identidad cultural existente a través de estos objetos. Por ello, considero importante que los museos aseguren una presentación integral que no solo represente visualmente el patrimonio tangible, sino que también contextualice los aspectos intangibles, fomentando una comprensión más profunda entre el público. Yo pienso que el problema al presentar textiles como simples artefactos sin proporcionar ningún contexto es que se termina objetivando tanto al textil como la práctica, lo que a su vez puede llevar a la objetivación de la cultura de origen. Si se objetiva, pierde todo su valor socio-cultural a los ojos del espectador. Como mencioné, el efecto que los museos tienen en los visitantes es activo, donde estos son influenciados de una manera u otra. La objetivación causaría una ruptura en esta interacción, lo que resultaría en la infiltración de conceptos erróneos entre los visitantes. Si bien cada museo manejará sus exhibiciones de manera diferente porque los objetivos varían, existen formas de ofrecer una representación adecuada del patrimonio intangible, como agregar información adicional, una foto o incluso un trozo de tela que ayude a dar vida al patrimonio y su práctica.
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