La cultura en cuarentena

Los desafíos de un sector esencial

Por Felicitas Casillo

Durante la pandemia del Covid-19, las instituciones culturales sufrieron cierres prolongados. En los países sudamericanos se requerirá un fortalecimiento institucional que implica una mayor solvencia económica, necesaria hace décadas, pero también el rescate del vínculo de sentido entre creadores, obras y audiencias.

#MúsicosdesdeCasa fue una de los proyectos virtuales del famoso Teatro Colón de la Argentina. Cantantes y músicos interpretaron y grabaron fragmentos de obras desde sus propias casas.

En la Argentina y en otros países de Hispanoamérica, las cuarentenas hicieron evidente la necesidad de fortalecimiento del sector cultural. La institucionalización de donaciones y mecenazgo no es aún fuerte en la región, y la gestión cultural suele depender todavía de un modelo dicotómico, estatal o privado. A finales del año 2019, cuando la expansión del virus era aún incipiente, la UNESCO determinó que 2021 sería el año de la “economía creativa”. El objetivo era promover la asociación entre cultura y desarrollo, fenómeno cuya difusión creció durante las dos últimas décadas. Sin embargo, ante la contracción de las estructuras públicas y el cierre de las actividades comerciales, la cultura fue uno de los tantos sectores golpeados ante la suspensión de actividades por la pandemia del Covid-19.

El caso del Teatro Colón de Buenos Aires

Si bien posiblemente las instituciones más pequeñas hayan sido las más afectadas, las grandes instituciones culturales no fueron la excepción. El Teatro Colón de Buenos Aires, probablemente la institución cultural de más renombre de la Argentina, suspendió sus actividades durante 2020 y luego de la apertura a comienzos de 2021, con motivo de los 100 años del nacimiento del compositor argentino Astor Piazzolla, debió volver a cerrarse debido a un crecimiento de contagios en la región. La Argentina enfrentó un primer cierre total en 2020, cuando sin embargo la enfermedad no provocó la mayor cantidad de víctimas.

En el Encuentro Iberoamericano de Teatros realizado en diciembre de 2020, Jorge Codicimo, coordinador de comunicación institucional del Teatro Colón, describió las actividades que estaba realizando el Colón como una “estrategia digital” que superaba el contexto de la pandemia. Esta estrategia implica creación, innovación, experimentación y distribución. Codicimo afirmó que las redes sociales, aliadas en la difusión, no necesariamente forman hábitos de consumo: “el contenido en una red social quizás dura 15 segundos, y la obra de arte quizás dura tres o incluso cinco horas en el teatro”. Codicimo también explicaba que la liberación de contenidos que las instituciones artísticas practicaron durante la pandemia significó un momento crítico para estas organizaciones: “la respuesta social a la crisis sanitaria no fue ‘un buen negocio’”.

Otro de los proyectos del Teatro Colón fue “#CasasdeÔpera, una serie de videos en los que los artistas adaptaron fragmentos de óperas, grabados desde sus propias casas.

Durante 2020, el área de Comunicación del Teatro Colón produjo una serie de contenidos diseñados netamente para la virtualidad. Con los títulos “#CasasdeÔpera” y “#MúsicosdesdeCasa”, los artistas que forman parte de orquestas, coros y cuerpos de danza participaron de videos cuyo propósito parecía ser no perder contacto con la audiencia y reforzar el vínculo de la comunidad artística. En ese sentido, el Teatro trabajó con piezas cuya recepción sería exterior al Teatro y por primera vez totalmente virtuales, dirigidas y ejecutadas a distancia, grabadas con teléfonos celulares y alojadas luego en la web institucional. Además, el Teatro transmitió de forma gratuita obras grabadas a través de su sitio web y de YouTube, y realizó live streamings desde Facebook, Instagram y Twich.

El discurso de la cultura

En el año 2019, en una investigación realizada en la Universidad Austral, describí lo que en ese entonces llamé “discurso de la cultura”, un discurso donde la cultura sucede. No me refería a un discurso sobre la cultura, sino a los intercambios simbólicos que facilitan la creación, difusión e interpretación de una obra de arte. En la última década existieron dos grandes grupos de metáforas o “familias metafóricas” que protagonizaron la conversación pública sobre la cultura en la Argentina: la cultura como un recurso para el desarrollo del país y de las ciudades, y la cultura como un valor ideal, que apuntalaba las celebraciones sociales y la identidad de los pueblos y que a menudo era utilizado con fines políticos.

Si bien ambos grupos de figuras aparecieron en el discurso público sobre la cultura durante la pandemia del Covid-19, también parecen haber emergido otras metáforas y argumentos en relación al mundo del arte. Ante la necesidad de los artistas y de la audiencia de volver a encontrarse de forma significativa, en todo el mundo se multiplicaron las clases abiertas, ensayos y lecturas colectivas en diversas modalidades virtuales. La virtualidad es también una experiencia real, pero no reemplaza la performance sobre un escenario, la experiencia de deambular por un museo o una conversación cara a cara sobre literatura. Surge, entonces, la pregunta acerca de cuál es el motor que da sentido a la actividad artística. ¿Por qué hacemos arte? ¿Por qué necesitamos el arte? ¿Lo necesitamos? La respuesta a esas preguntas no estuvo dada –al menos no solamente− por fundamentos económicos o políticos, sino más bien trascendentales: incluso en el caso de que el arte no sirva para nada aún lo necesitamos, comprendemos que existe un sentido que se reserva en la creación y que puede ayudarnos a vivir.